10 потрясающих шедевров третьяковской галереи

Портрет Надежды Ивановны Забелы-Врубель, 1898

Еще одним удачным портретом мастера является портрет его жены. К моменту их встречи в 1895 г. она была уже популярной оперной певицей, а Врубель не мог похвастаться известностью. Тем не менее через два месяца было объявлено о помолвке, а вскоре они обвенчались. Надежда Ивановна стала его женой и музой.

В 1898 г. Михаил Александрович пишет ее портрет. Удивительная гармония наполняет картину. Легкие светлые краски передают характер супруги живописца. Платье, в котором она изображена на портрете, также сделано по эскизу художника. Полотно создавалось в манере импрессионизма, к которому Врубель прибегал редко. Изображение Надежды Ивановны словно наполнено светом, но в то же время в нем присутствует неуловимая тайна.

Как создавались некоторые портреты

Павел Третьяков всегда любил творчество Петра Чайковского, следил за ним. Он даже побывал на фортепианном концерте в Париже, где пианист Николай Рубинштейн исполнял произведения известного композитора. Третьяков мечтал познакомиться с ним и задумал получить в свое собрание его портрет. Желанию было суждено сбыться. Даже более того — Третьяков и Чайковский породнились.

Прасковья Коншина, племянница Павла Михайловича, вышла замуж за Анатолия Чайковского, брата Петра Ильича. Композитор не был в большом восторге от этого брака — но не потому, что ему не нравилась невестка. Прасковью он находил очень милой, а вот наличием у нее многочисленной родни, да к тому же известной в городе, тяготился. В переписках со своими друзьями он жаловался, что нужно со всеми перезнакомиться и этим визитам вежливости нет конца, хотя, конечно, «люди очень почтенные, образованные, порядочные…» Павел Михайлович, обрадованный удачному стечению обстоятельств, просил нового родственника позировать для портрета. Тот не смог отказать и несколько дней по много часов недвижно сидел перед художником Василием Маковским. К сожалению, портрет был утрачен.

Третьяков мечтал, чтобы в его коллекции появился и портрет Льва Толстого. Но Лев Николаевич, услышав предложение, решительно отказался — не хотел, да и времени не было (тогда он писал «Анну Каренину»). Коллекционеру помог его друг, художник Иван Крамской. Живописец сам взялся уговаривать строптивого графа. Приехал к нему в Ясную Поляну, завел с Толстым приятную беседу об искусстве. Разговор продолжался долго — Крамской постоянно возвращался к теме портрета, но Толстой ничего не хотел об этом слышать. Тогда в ход пошел последний аргумент. Крамской заговорщицки поведал, что портрет графа в любом случае будет создан, хочет он того или нет, его все равно напишут, весь мир будет этого требовать. А потом добавил: «И можно будет только жалеть, что его не написал современник с натуры…»

Этот аргумент оказался решающим. Толстой не просто согласился, но и попросил сделать копию, чтобы сохранить в семье. Художник написал два портрета, немного отличающихся друг от друга, а потом дал выбрать свой экземпляр графу. Лев Николаевич скромно выбрал вариант похуже.

Федор Решетников. Опять двойка (1952)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Еще одна картинка из школьных учебников. На самом деле художник сначала написал другую работу – «Прибыл на каникулы». Юный суворовец приезжает в родной дом на Новый год, а дед встречает его по стойке смирно, демонстрируя военную выправку. И вот в продолжение серии положительных образов советских школьников Решетников задумал картину об отличнике. Отправился в школу на урок, сел с блокнотом на заднюю парту, а учительница вызвала к доске лучшего ученика. Но тот занервничал, приняв его за проверяющего, растерялся и не смог решить задачу. В набросках мальчишка получился грустным, виновато опустившим голову. В процессе работы автор «перенес» его из школьного класса в домашнюю обстановку. Теперь «Опять двойка» и напоминает о прежних методах школьного воспитания и о том, как последующие поколения вымучивали сочинения на заданную тему.

А знаете, что оказалось самым сложным в работе над картиной? Заставить собаку подольше постоять на задних лапах! Для этого ей скормили немыслимое количество бутербродов.

Павел Третьяков первый русский продюсер

Увлекательно об искусстве: 12 образовательных Instagram-аккаунтов

«Композиция VII», Василий Васильевич Кандинский, 1913 год

«Композиция VII», Василий Васильевич Кандинский, 1913 г.

Кто такой Василий Кандинский?

Василий Кандинский – один из праотцов абстракционизма. Он считал, что предметность мешает восприятию искусства, инструмент воздействия на душу у Кандинского – цвет. Василий был первым из художников-абстракционистов, кто теоретически объяснил, почему живопись существует за гранью фигуративности. Кандинский был синестетиком – «слышал цвета» и «видел звуки».

Когда мальчику было 5 лет, его родители развелись, Василия воспитывала родная тетя. Интересно, что Кандинский не родился «с кистью в руках» и к живописи пришел, когда ему исполнилось 30. До этого Василий изучал право и 4 года преподавал его в Московском университете. Полотно Моне «Стог сена» и опера Вагнера навсегда изменили его взгляды. Отказавшись от продвижения по службе, Кандинский отправился в Мюнхен, чтобы учиться живописи.

Василий Кандинский и его коллеги по авангарду объединились в Мюнхене в группу – «Голубой всадник». Члены общества написали множество картин, организовывали выставки до Первой мировой войны.
«Эскиз к импровизации №8» Василия Кандинского был продан в 2012 году на аукционе за 23 миллиона долларов.

Как появилась Композиция VII?

«Композицию VII» Кандинский создал, когда обрел стиль и стал зрелым художником. Линии, пятна, цвета, подвижные формы – Кандинский использовал выдуманные сочетания, чтобы пробудить в зрителе интуицию и фантазию.

Откуда Василий Кандинский брал сюжеты? Они рождались сами, как только художник закрывал глаза. Кандинский брал карандаш, набрасывал эскиз, пока видение не исчезло. Работая красками, Василий изменял формы так, как велел внутренний голос.

«Композиция VII» родилась не за один вечер. Кандинский доводил образ до совершенного звучания через десятки набросков в карандаше и тушью, этюдов и акварелей. Когда детали и гамма стали ясны, Василий «по кусочкам» перенес сюжет на холст за несколько дней.

В каком стиле выполнена картина?

«Композиция VII» – в чистом виде абстрактное искусство. Оно ставило новую цель: образ должен проникнуть в душу смотрящего. Предметы реального мира исключены, поэтому разум человека вырывается на свободу. Не нужно анализировать – только чувствовать. Линии, пятна и цвета Кандинского, словно абстрактная мелодия, обнажают прекрасное на микроуровне, открывают поток философских мыслей.

Интересные факты

  • За «Композицией VII» стоят более 30 эскизов, выполненных в различных техниках и материалах: графика, этюды маслом и акварелью. Финальная версия родилась за 4 дня в ноябре 1913 года.
  • Искусствоведы считают, что в «Композиции VII» есть отсылки к библейским сюжетам. Кандинский зашифровал Великий суд, Всемирный потоп, Райский сад и Воскрешение. В картине видны ранние фигуративные сюжеты художника, связанные с концом света и потусторонними битвами добра и зла.
  • У Кандинского был авторский почерк в живописи, который виден в «Композиции VII». Художник наносил масло структурными мазками, они располагались в столбик либо зигзагообразно. Кудрявые мазки получались, когда Кандинский переносил тягучую краску торцом кисти.

Царевна-Лебедь, 1900

Автор не впервые работает над этим персонажем. Михаил Александрович создавал костюмы, в том числе и для своей жены, исполняющей партию Царевны-Лебедь в опере Римского-Корсакова “Сказка о царе Салтане”. Но, увидев оперу в день премьеры, он был потрясен красотой произведения.

Героиня картины имеет совсем небольшое сходство с оригиналом, если верить фотографиям Надежды Забелы-Врубель, в частности той, где Надежда запечатлена в роли Лебедя, однако это она стала вдохновителем этого шедевра.

Грустно смотрит сказочная царица с полотна, на фоне заката она еще более таинственна. За спиной вдалеке – город. Этот город Врубель писал с декорации, автором которой был он сам. В Царевне-Лебедь художник соединил два начала: мистическую силу воды и возвышенную мощь неба.

История Третьяковской галереи

Датой основания Третьяковки считается 1856 год. Именно тогда Павел Михайлович Третьяков, купец по роду деятельности, приобрел две первые картины русских художников «Искушение» Н.Г. Шильдера и «Стычка с финляндскими контрабандистами» В.Г. Худякова. В конце 50-х годов он пополняет свою коллекцию работами И.И. Соколова и В.И. Якоби, А.К. Саврасова и М.П.Клодта. В это время у Павла Третьякова появилась мечта создать музей, в котором будут представлены работы русских живописцев. Свою коллекцию он начал собирать с нуля. Коллекционер приобретал все лучшее, что было на художественном рынке из работ русских художников. По складу характера Павел Третьяков был не просто коллекционером. Он обладал широкими познаниями в области литературы и живописи, театра и музыки. Как писал про него художник и критик А.Н. Бенуа «…Третьяков по натуре и знаниям был ученый». Он безошибочно выбирал все лучшее, что создавала русская живопись. Как сказал про него художник Крамской: «Это человек с каким-то, должно быть, дьявольским чутьем». Он был на открытии всех выставок в Москве, в Петербурге. Картины еще не развесили в выставочных залах, а он успевал осмотреть их в мастерских и прицениться. Он был впереди всех. Бывали случаи, что даже царь, подойдя к понравившейся картине, читал, что «куплено господином Третьяковым». Он говорил: «Мы работаем для русского народа».

В своем первом завещании в 1860 году, Третьяков оставил 150 тысяч рублей серебром на создание в Москве «художественного музеума или общественной картинной галереи…». Он создавал первый в России музей, отражающий развитие русского искусства и хотел, чтобы музей стал общедоступным. Будучи богатым, он старался не переплачивать посредникам. И считал: «Чем больше средств сэкономишь, тем больше картин произведений искусств можно собрать». Павел Михайлович Третьяков избегал роскоши и излишеств. Он помогал нуждающимся художникам, вдовам и сиротам. Достраивал и расширял музей.

В 1867 году открылась галерея, в которой была представлена коллекция Павла и его брата Сергея. Посетители увидели 1276 картин, 471 рисунок и 10 скульптур русских художников, а также 84 картины иностранных мастеров. Картины Павел Михайлович размещал в своем доме в Лаврушинском переулке. С 1872 по 1874 гг. были построены два музейных зала, которые сообщались с жилыми помещениями. В 1882 году, когда необходимо было разместить Туркестанскую коллекцию, были пристроены 6 новых залов. Дополнительные залы появились также в 1885 и 1892 гг. 1892 год стал для музея знаменательным, в этом году Павел Михайлович Третьяков передал ее в дар городу Москве. Тогда в коллекции было 1287 картин, 518 рисунков и 9 скульптур русских художников XVIII–XIX веков, а также работы западноевропейских мастеров. А через год состоялось официальное открытие Московской городской галереи Павла и Сергея Михайловичей Третьяковых. После смерти Павла Третьякова в 1898 году его дело продолжили другие меценаты.

В 1902–1904 гг. под руководством архитектора А.М. Калмыкова был построен знаменитый Васнецовский фасад, который стал эмблемой Третьяковки. Фасады здания были разработаны архитектором В.Н. Башировым по рисункам художника В.М. Васнецова. 2 апреля 1913 года попечителем музея был избран художник и архитектор Игорь Эммануилович Грабарь. Благодаря ему Третьяковка была сформирована по европейскому типу — по хронологическому принципу. В декабре 1913 года музей был открыт для посетителей. После революции в 1918 году музей стал называться Государственной Третьяковской галереей и был объявлен государственной собственностью Российской Федеративной Советской Республики. Директором музея стал И.Э.Грабарь. Большой вклад в развитие музея, в том числе в его расширение и оснащение, внес академик архитектуры А.В. Щусев. Во время войны большинство экспонатов были эвакуированы в Новосибирск. Само здание пострадало от бомбежки. К 100-летию музея в 1956 году его коллекция насчитывала более 35 000 произведений искусства. Большой вклад в расширение музея внес также Ю.К. Королев, директор музея с 1980 по 1992 гг. В 1989 году был сооружен новый инженерный корпус, где разместились конференц-зал и информационно-вычислительный центр, детская студия и выставочные залы. После реконструкции в музейный ансамбль Третьяковки был включен памятник архитектуры XVII века — храм Святителя Николая в Толмачах. Он был восстановлен, освящен и стал домовым храмом музея.

Виктор Васнецов. Богатыри (1898)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Картина стала настолько популярной, что все так и думают, что Илья Муромец, Добрыня Никитич и Алеша Попович разъезжали по полям втроем, дружно оберегая землю русскую от вероломных захватчиков. Фокус в том, что встреча этих героев русских былин могла случиться только на картине. Богатыри сильно различались по возрасту – по сути, жили в разное время. В тот момент, когда Илья выглядел примерно так, как на полотне, Добрыня должен был быть глубоким стариком, а Алеша – ребенком.

Но для художника богатыри были символом, и работе над полотном он отдал всю душу, множество сил и больше 20 лет жизни. Все это время гигантский холст неотступно следовал за художником и его семьей – из Москвы в Киев или, к примеру, на дачу летом. А то в поля близ конюшен Саввы Мамонтова, откуда приводили скакунов для позирования. А уж образы богатырей оказались настолько собирательными! Для этюдов позировали родные и друзья, известные люди и простые крестьяне. Добрыня Никитич, например, считается едва ли не фамильным портретом Васнецовых – для набросков не однажды позировали родственники художника, и есть даже сходство с ним самим.

Саврасов, А. К. — «Грачи прилетели»

Среди полотен Третьяковской галереи посетители отмечают картину А. К. Саврасова «Грачи прилетели».

Художник стремился к реалистичному методу изображения природы. Мастер передает на холсте колыхание нагретого весеннего воздуха. Он использует две цветовые гаммы: бело-голубые тона для изображения снега, неба, воды, и коричневые краски, которыми написаны деревья и строения.

Цвета взаимосвязаны друг с другом: на земле появились коричневые проталины, в голубой воде отражаются серые дома. Умелое расположение цвета вызывает у зрителя впечатление, что весенний воздух движется стремительными потоками. Художник воплотил в знаменитом полотне образ весенней России.

Про самые известные картины Айвазовского и Врубеля в Третьяковской галерее, читайте здесь и здесь.

Строгое воспитание и большая ответственность

Об основателе рода, купце Елисее Мартыновиче Третьякове, известно не так уж много. В 1774 году он перебрался в Москву из города Малоярославца Калужского наместничества. Вместе с ним переехали жена и сыновья.

Первым среди его потомков в истории Москвы остался внук Михаил Захарович, купец второй гильдии. Он владел пятью небольшими лавками в гостином дворе, где продавал льняное полотно, а также держал две фабрики — бумагокрасильную и отделочную. Во многом в его делах помогла семья супруги — он был женат на Александре Борисовой, дочери богатого коммерсанта, который экспортировал в Англию сало.

Особое внимание Михаил Захарович уделял образованию детей. Он тщательно отбирал педагогов, часто сам присутствовал на занятиях

А однажды по договоренности с одной из московских типографий он напечатал книгу «Цветы нравственности, собранные из лучших писателей к назиданию юношества Михаилом Третьяковым», предназначенную в первую очередь его собственным детям.

Передать свои дела он планировал первенцу Павлу и родившемуся через год после него Сергею. Довольно рано Третьяков-старший начал знакомить их с работой своих фабрик и лавок. Сыновья занимались под его надзором всем: и зазывали покупателей на улицах, и продавали товар оптовикам, и вели бухгалтерию. Братья не брезговали и взять в руки метлу, чтобы привести в порядок помещение. Спать до полудня им не позволялось: они должны были вставать с первыми петухами и приступать к учебе или работе.

Михаил Захарович умер, когда старшему сыну едва исполнилось 17. Третьяков оставил завещание, согласно которому все его состояние переходило жене — Павел и Сергей были слишком юны. Супруге запрещалось выдавать им деньги на «слабость или распутство». Какое-то время формальным руководителем фабрик и лавок была именно Александра Даниловна, но через несколько лет она передала все сыновьям.

К тому времени их сестра Елизавета вышла замуж за старшего доверенного приказчика Владимира Коншина. Вместе с ним братья основали «Магазин полотняных, бумажных, шерстяных товаров, русских и заграничных, торгового дома П. и С. братьев Третьяковых и В. Коншина в Москве». Зять Третьяковых работал непосредственно в магазине, Павел занимался бухгалтерией, а Сергей отвечал за зарубежные торговые операции. Вскоре они решили, что разумно будет не только продавать льняные изделия, но и производить их. Сказано — сделано: уже в 1866 году открылась прядильная и ткацкая мануфактура в Костроме. Это стало настоящим событием в городе, работу получили тысячи человек.

Повлияли братья и на внешний облик центра Москвы: между Никольской улицей и Театральным проездом они с разрешения властей сделали небольшую улочку, чтобы удобнее было возить товар в гостиный двор. В корпусах проезда, названного Третьяковским, расположились магазины — одежды, парфюмерии, чая — и конторы, банковские и нотариальные.

Василий Кандинский. Композиция VII. 1913 г. 12,7 млн $

Одно из самых знаменитых полотен в собрании ГТГ, вершина творчества Кандинского до 1914 г. Написана в Германии всего за 4 дня. Этому предшествовала длительная подготовка – около 30 эскизов, акварелей, набросков маслом.

На первый взгляд, «Композиция VII» кажется спонтанной круговертью ярких образов, пятен, линий, форм. Взгляните на нее как на попытку изобразить космос. Пытливому зрителю картина откроет свои библейские мотивы: Всемирный потоп, воскресение из мертвых, Судный день, райский сад.

Кандинский уехал из России в 1921 г. Последнюю «Композицию X» написал в Париже в 1939 году, за 5 лет до смерти. Самая дорогая из проданных на аукционах картин художника – «Импровизация с лошадьми» (1911 г.). На русских торгах Christie’s в Нью-Йорке в ноябре 2017 года она «ушла» за 12,7 млн $.

В тему! В список самых дорогих вещей, проданных с аукционов, входят также манускрипты, рукописи, автомобили, мебель и ювелирные украшения.

Михаил Врубель. Демон сидящий (1891)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Лермонтов писал поэму «Демон» 10 лет. Врубель работал над своими демонами двенадцать. «Демон сидящий», «Демон летящий», «Демон поверженный» и еще сотни эскизов. А в итоге лермонтовского падшего ангела уже трудно представить другим.

Можно, конечно, рассуждать об особой врубелевской манере письма, о том, что он искусственно сужает пространство, заставляя духа изгнания сутулиться и задыхаться, как в заточении. Но даже это не объясняет, почему подходишь к этой картине – и проваливаешься в потусторонний мир, где нет ни времени, ни рациональных категорий.

Илья Репин. Не ждали (1988)

Картину Репина «Не ждали» знают, наверное, все в России. Раньше по ней в школах полагалось писать сочинения. А в наше время по просторам интернета ходит множество мемов. Один из них припасен для вас в нашей небольшой галерее, после двух вариантов знаменитого холста (оба находятся в Третьяковке). В более раннем «не ждали» девушку-курсистку.

По сюжету политический ссыльный возвращается с каторги домой, и потерявшие надежду его увидеть близкие испытывают самые разные чувства. Вплоть до испуга младшей дочки, которая совсем не помнит отца. Позировали художнику его близкие – жена, дочь, теща, друзья. А главный герой написан с писателя Всеволода Гаршина. По совету Третьякова, кстати, который не хотел покупать картину и требовал переписать лицо ссыльного. Репин обиделся, но переписал. Правда, и цену поднял.

Карл Брюллов. Всадница (1832)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Живописец довольно долго жил в Италии. Там он подружился с русской графиней Юлией Павловной Самойловой, и знаменитый конный портрет был создан как раз по ее заказу. В собрании графини полотно находилось четыре десятка лет, а когда было продано и затем оказалось в России, началась путаница. Многие считали, что на картине изображена сама красавица Самойлова. Затем выяснилось, что это не так, и обе девочки – воспитанницы графини. Старшую зовут Джованнина, младшую Амацилия, и считаются они дочками итальянского композитора Паччини. Опять же не факт: есть свидетельства, что дочкой Паччини была только крошка Амацилия, а Джованнина – племянница мужа Самойловой, оперного певца Перри.

Но и это еще не все: один миланский адвокат подарил гравюру с портрета музею знаменитого театра «Ла Скала», решив, что на нем изображена оперная дива Мария Малибран, трагически погибшая в 28 лет. Звезда оперы сильно разбилась, упав с лошади, и умерла от ушибов. И вот, представьте, «Всадница» из-за этой ошибки получает мрачную славу картины, способной приносить несчастья. Со временем, конечно, все это забылось, осталось только восхищение мастерством художника.

«Богатый киргизский охотник с соколом» В. В. Верещагин (1871)

В конце 19 века Российская империя стала разрастаться за счёт экспансии в Средней Азии. Молодой художник попал в экспедицию по Туркестану, где плодотворно работал и гостил у своего друга Байтика Канаева — киргизского батыра, представителя высшей знати племени соло. С ним он познакомился и подружился ещё в столице на приёме у императора Александра II.

Байтик Канаев увлёкся творчеством Верещагина и с удовольствием позировал ему в национальной одежде со своим пернатым охотником. Содержать такую хищную птицу мог только знатный представитель племени. Сокол на руке подчёркивает статус Байтика Канаева.

Самые известные картины Верещагина.

4

«Богатыри», В. М. Васнецов

В 1898 году Третьяков купил знаменитую картину у Васнецова. Художник работал над ней около двух десятков лет. Это изображение трех богатырей, легендарных Ильи Муромца, Алеши Поповича и Добрыни Никитича.

Картина символизирует дух русского народа. Каждый богатырь наделен определенными качествами, которые так характерны для русского человека. Илья Муромец спокоен и уверен в себе, это сила и могущество. Добрыня Никитич – представительный и величавый, он умен и обладает глубокими знаниями. Алеша Попович – смелый, но молодой и веселый.

Живопись Малевича

Гений русского авангарда представлен в Третьяковке 11 работами. Руководители галереи долго отказывались покупать работы авангардиста, лишь в конце 1930-х в Третьяковке появилось первое полотно автора. Позже Малевич уже сам отбирал картины, которые передавал в галерею.

Черный квадрат, 1929

Провокационная работа автора представлена в Третьяковской галерее в 2 вариантах. Всего же Малевич создал 4 «квадрата». Но самым удачным и гармоничным считается первый, который и представлен в Третьяковке.

Его уникальность заключается в 2 особенностях:

  1. Сокрытие других картин. «Квадрат» весь в трещинах. Такое бывает, когда автор кладет на холст большое количество слоев краски. При анализе полотна выяснилось, что черный квадрат закрывает другие 2 картины Малевича, которые он писал в разных художественных направлениях, но они ему не понравились. Таким образом прослеживается процесс становления Малевича как супрематиста.
  2. Нуль форм. Так говорил сам автор. Он основал супрематизм, новое направление искусства. С наступлением массовой культуры Малевич призывал отказаться от сложных изображений объектов, которые могут понять только сами художники и небольшой круг ценителей. Людям нужны простые и понятные формы. А проще и понятнее квадрата черного цвета нет ничего. Это эталон, от которого отталкивается направление супрематизм.

«Черный квадрат» Малевича

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Adblock
detector